Luigi Moretti architetto. Dal razionalismo all’informale
Mendrisio, Galleria dell’Accademia di architettura, Palazzo Canavèe
23 febbraio-9 aprile 2012

L’esposizione, a cura di Bruno Reichlin e Annalisa Viati Navone, illustra la complessità dell’opera architettonica di Luigi Moretti attraverso disegni, modelli, fotografie d’epoca, in un percorso teso a restituire la genesi dei progetti e le reciproche interazioni. Le opere figurano raggruppate in sezioni tematiche e rendono testimonianza dei nodi teorici su cui il suo pensiero critico si incentra, dalla percezione cinetica e temporale dell’architettura alla spazialità e alla ricezione del linguaggio barocco, dal confronto tra barocco e arte informale al legame fertile con la storia dell’architettura e dell’arte, fino all’interesse per la scienza.

Ai materiali originali provenienti soprattutto dall’Archivio Centrale dello Stato di Roma e dall’Archivio privato Moretti Magnifico, si affiancano le numerose ricostruzioni tematiche di opere e progetti elaborate dagli studenti dell’Accademia di architettura di Mendrisio.

L’esposizione è promossa dall’Accademia di architettura, Università della Svizzera italiana, e dalla Fondazione Archivio del Moderno di Mendrisio, in collaborazione con il MAXXI Museo Nazionale delle arti del XXI secolo e l’Archivio Centrale dello Stato di Roma. La mostra è frutto di un progetto di ricerca quadriennale promosso dalla Fondazione Archivio del Moderno curato da Bruno Reichlin e Letizia Tedeschi.

Inaugurazione 22.02.2012, ore 19.00
Galleria dell’Accademia di architettura
Esposizione 23.02-08.04.2012
martedì-venerdì ore 16.00-19.30
sabato-domenica ore 13.00-18.00
ingresso libero

Per info
tel. +41 58 / 666 5 000
e-mail info@arch.unisi.ch
www.arc.usi.ch

Questa sera alle 18.00, con la prestigiosa partecipazione di Michelangelo Pistoletto, sarà presentata alla stampa e al pubblico l’intera manifestazione con particolare riferimento alla mostra e al workshop che si terranno nel mese di marzo. La presentazione avverrà attorno al Tavolo Love Difference, opera di Pistoletto a forma di Mar Mediterraneo che ben concretizza l’idea di progetto aperto e orizzontale, invitando diverse persone a parlare e a confrontarsi.
La mostra racconterà, attraverso le opere, l’esperienza nell’ambito del design di Pistoletto e Cittadellarte.
Il workshop, a cura di Love Difference- Movimento Artistico per una Politica InterMediterranea, permette di indagare la forza simbolica del design a partire dal motto di Pistoletto: “Ogni prodotto assume responsabilità sociale”. È rivolto a designer, artisti, artigiani, commercianti, appassionati d’arte, docenti, imprenditori, studenti universitari.

Il Museo d’arte contemporanea di Lissone negli oltre dieci anni di attività ha sviluppato una proposta artistica che poggia sull’esperienza “storica” del Premio Lissone (1946-1967), ma ha anche avviato un percorso che attiene strettamente alle specificità del territorio, nel tentativo di valorizzare quella cultura dell’artigianato e del design che da alcuni secoli caratterizza e sostiene il sistema produttivo brianzolo. Al Premio Lissone dedicato alla pittura, rinato nel 2002, si è così affiancato nel 2006 un Premio Lissone Design, che richiama ogni due anni i giovani designer di tutto il mondo ad affrontare con la loro creatività un aspetto del vivere umano, proponendo nuove idee e nuovi prodotti. E attorno al design si sono proposti corsi, incontri e riflessioni che trovano un riscontro estremamente partecipato da parte di un pubblico molto diversificato, proveniente da un territorio ben più ampio della Provincia di Monza e della Brianza.
Su queste premesse e con l’intento di sostenere gli sforzi che il territorio sta compiendo in una situazione economica complessa e difficile come quella attuale, viene ora proposto un ciclo di eventi-manifestazioni che hanno l’obiettivo di portare linfa e stimoli per una creatività nuova, originale, capace di attivare nuove esperienze.
Cittadellarte-Fondazione Pistoletto è un grande laboratorio, un generatore di energia creativa, che sviluppa processi di trasformazione responsabile nei diversi settori del tessuto sociale.
Love Difference è un Movimento Artistico per una Politica InterMediterranea creato nel 2002 su iniziativa di Cittadellarte-Fondazione Pistoletto per attivare cooperazioni alimentate dall’arte.

Info:
museo@comune.lissone.mb.it
tel. 039 7397368
www.museolissone.it

Innovativo, leggero, elegante e poetico, il cemento rivela le sue nuove anime nelle interpretazioni dei designer di tutto il mondo.

È uno dei materiali più semplici, versatili ed economici.
Protagonista dell’architettura moderna, dalle più recenti realizzazioni di Toyo Ito, Tadao Ando o Zaha Hadid fino al padiglione Italia all’Expo di Shanghai realizzato in i-light, la particolare formula trasparente messa a punto da Italcementi, che consente il passaggio della luce attraverso le pareti degli edifici, il cemento ha oggi conquistato ampi spazi anche nel design.
Si trasforma in poesia, e fa dimenticare l’idea tradizionale di una superficie grigia e uniforme, grazie a Solid Poetry, il progetto sviluppato da Susanne Happle e Frederik Molenschot del gruppo olandese Droog Design. Le piastrelle, trattate con inchiostri termocromici, al contatto con l’acqua rivelano dettagli decorativi personalizzabili, motivi floreali e delicati grafismi. Il processo è reversibile: non appena si asciuga, la superficie ritorna all’aspetto originario. Un materiale “intelligente”, che può essere usato sia per interni, ad esempio per lavabi e bagni di strutture alberghiere, che per esterni, magari in spazi pubblici da ravvivare nelle giornate di pioggia, con risultati spettacolari e sorprendenti.
Si presenta invece come una carta da parati Concrete Blond, la soluzione pensata da Eric Barrett. Il designer inglese propone una sua reinterpretazione del materiale, portando sulle pareti – ma anche sui pavimenti o su altre superfici – i motivi grafici e l’aspetto tipico di una carta da arredo. Ma con tutti i vantaggi del cemento: robustezza, resistenza alla corrosione e al fuoco, isolamento termico e sonoro. Il volto romantico del cemento, esplorato da Barrett, si rivela anche in alcune particolari soluzioni di pavimentazione, con elementi di vetro o altri materiali incastonati nella superficie.
Texture, disegni e pattern di ogni tipo caratterizzano Concrete Mission, il progetto di materiali ed elementi in calcestruzzo nato dalla collaborazione di Magnetti con il designer Ronen Joseph e presentato al MADE 2011. Per superfici verticali o orizzontali, questi blocchi in cemento permettono la massima libertà creativa, consentendo realizzazioni e rivestimenti architettonici di ogni tipo.
La versatilità di questo materiale, caldo o algido, massiccio o leggero, si esprime bene in interno: le sue caratteristiche hanno ispirato interpretazioni di oggetti e arredi di designer e progettisti in tutto il mondo, dai Concrete Plates dell’israeliano Nir Meiri ai vasi ispirati alla tradizione giapponese del designer Xiral Segard, fino ai tavoli di Davide Vercelli per LiberoStile, che abbinano il cemento al vetro temprato per un risultato che unisce artigianalità, eleganza e rigore, e ad Aplomb, la lampada in cemento disegnata per Foscarini da Paolo Lucidi e Luca Pevere. Ideale per progetti contract, l’affusolata sospensione esprime la sua personalità soprattutto nella versione grigia, che mantiene ed esalta l’aspetto del materiale grezzo.
Non mancano, infine, le sedute, perfette per essere collocate in spazi pubblici: da Cutout, creata da Gigi Rossi per Il Cantiere, alla Chair One di Magis con base in calcestruzzo; da Queen, progettata in piuma-cemento da Angelo Micheli per Domodinamica, fino alle sculture di Lovecement e a Dune di Rainer Mutsch, che unisce al cemento fibre di cellulosa per ottenere un materiale interamente riciclabile.

Text edited by Anna Nosari

Pubblicato su A+D+M # 35 (dicembre 2011)

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HOME SPA DESIGN “Abitare il Design – Emotional Living”

16-22 Aprile 2012
Magna Pars Design, Via Tortona, 15
Fuorisalone Milano Tortona Design Week

My Exhibition, in media partnership con A+D+M Network, presenta HOME AND SPA DESIGN 2012. Durante la conferenza stampa, moderata da Simona Finessi,  sono stati presentati in anteprima i concept delle installazioni dei 5 studi protagonisti di “Abitare il Design – Emotional Living”.

Aperta solo ad operatori professionali, è divenuta un punto di riferimento di tutta la design week posizionandosi come uno degli eventi clou della Milano Design Week. Dal 16 al 22 aprile 2012 nella prestigiosa location del Magna Pars di Via Tortona, HOME SPA DESIGN occuperà tutto lo spazio in esclusiva per dialogare con i visitatori sul tema del design emozionale attraverso il progetto, la creatività e la cultura contemporanea.

Il leit motiv della mostra espositiva è l’emozione. La qualità progettuale incontra la qualità espositiva tra innovazione e perfezione, eleganza e stile: tutti gli elementi che contarddistiguono i progetti di Marco Piva, Luca Scacchetti, Pierandrei Associati, Studio Bizzarro e Fabio Rotella in linea con lo spirito dei tempi e le tendenze future.

Presentati oggi durante la conferenza stampa i progetti dei 5 studi che animeranno gli spazi del Magna Pars. Onirici, sognanti, innovativi e tutti strattamente legati all’essere umano e al suo bisogno fisiologico di benessere mentale, fisico e sociale.

Ecco in sintesi i concept illustrati oggi dagli architetti:

Marco Piva – SURFING THE FUTURE

Un tempo gli Antichi immaginarono la Terra come un’Isola galleggiante sul fiume Oceano, sormontata dalla sfera celeste. Fu l’inizio dei concetti di Spazio e Tempo e da allora un inarrestabile processo di trasformazione del mondo ci ha portato da mitiche meraviglie, immerse ormai nella Storia, fino ai disastri ambientali dell’Epoca in cui viviamo. La Natura, oggi, ci sta progressivamente proponendo, in modo sempre più evidente, i limiti di cui non avevamo né coscienza né sensibilità. Limiti che impongono nuove interpretazioni della nostra presenza su questo meraviglioso pianeta, perché si possa ancora immaginare di realizzare i nostri sogni di uomini senza distruggerlo e distruggere così anche noi stessi.
SURFING THE FUTURE si propone come spazio tematico che indaga su nuove forme dell’abitare, per avvicinarsi ad un nuovo concetto di Casa, ripartendo dagli elementi fondativi: il Luogo, la Materia, l’Architettura, l’Uomo.
Dall’acqua nasce la nuova soluzione abitativa concepita da Marco Piva per Home Spa Design 2012: Una CASA / NON CASA senza radici, che si situa metaforicamente su una zattera in mezzo all’Oceano e dalla sua acqua si fa nutrire, cullare e trasportare: Una casa “galleggiante”, in continuo movimento ed evoluzione tra ecologia e sostenibilità, realizzata con l’utilizzo coerente di materiali naturali, sintetici e riciclati.
Natura, architettura e design, un discorso minuzioso e coerente per una soluzione abitativa completa, funzionale ed autonoma: una CASA, uno spazio minimo semplicemente elegante, che potrà moltiplicarsi in aggregati inconsueti; un piccolo giardino, una SERRA, che potrà trasformarsi in Grattacieli Verdi da distribuire nel tessuto delle città del prossimo futuro per l’autonomo sostentamento fisico ed energetico, un CONTEMPLATION CORNER affacciato sull’Universo per il benessere della mente ed un TEMPIO personale di acqua e luce per quello emotivo e sensoriale.

Luca Scacchetti - THE QUEEQUEG’S ROOM

Come nel mitico baleniere di Melville, con il corpo interamente tatuato senza un centimetro di pelle priva di decorazione, così queste stanze vogliono essere un ragionamento sulla decorazione come strumento per nuove identità e drammaticità. La nudità ha sempre corrisposto ed accompagnato la nudità superficiale del bagno e del benessere, ma la decorazione si è progressivamente inserita ed è divenuta sempre più parte di un luogo comune che accompagna e segna la nostra fisicità. Così la patria ideale, lo spazio per definizione più fisico e corporeo dei nostri spazi domestici, il bagno, può accompagnarsi a nuove forme decorative in sintonia con i nostri vezzi corporei. Anche l’acqua, a caduta dai doccioni ed in moto nella vasca, non si presenta più liscia ma, nel movimento, diventa anch’essa decorazione.

Pierandrei Associati – BUZZar Lounge

Ancora una volta Pierandrei Associati esplora la tematica degli spazi sociali estemporanei. Dopo l’ufficio nomade e i progetti per l’ospitalità diffusa e il benessere urbano, quest’anno con un astratto incontro tra la tecnologia e la natura, da forma al luogo del “passaparola”. Un moderno “BUZZar ”, luogo di condivisione e di scambio dove le persone possono incontrarsi per parlare, rilassarsi e vivere.
Il termine “buzz” viene usato nel mondo web – in particolare nel marketing – per definire il passaparola attraverso la rete che connette aziende e persone permettendo di conoscersi meglio. La parola “buzz” è onomatopeica e richiama il ronzio delle api, uno sciame di persone che si incontrano in un ambiente definito dall’abbraccio tra tecnologia e natura.

Sergio Bizzarro – DAY DREAM SpA La stanza dei sogni

“…non si vede bene che col cuore. L’essenziale è invisibile agli occhi“
Antoine de Saint-Exupery

Ci sono persone che non smettono mai di sognare, che non hanno paura di mostrare le loro emozioni. Ci sono persone che trattengono le loro emozioni e che hanno paura di sognare. Ci sono anche persone che non sanno sognare ma che vorrebbero provarci. A tutte queste persone è dedicata DayDream Spa: la stanza dei sogni. Se le nostre case disponessero di una stanza dei sogni saremmo più predisposti a sognare?
E’ possibile pensare al benessere come una porzione di quotidiano in cui sentirsi giustificati nel poterci concedere un reale abbandono alle emozioni e al pensiero? mente e corpo. Ci sono persone che riescono a farlo semplicemente chiudendo gli occhi un minuto, persone che invece hanno bisogno di un angolo di pace, uno spazio progettato; un nucleo di calore, come un puntino luminoso immerso in un iperuranio neutro, una stella nel buio della notte, una scatola dei desideri in cui l’architettura si limita all’essenziale e il valore aggiunto è dato unicamente dal sogno.
L’onda
Sognare una grande onda che sta per abbattersi significa emozioni soffocate, grandi quantità di energia bloccata. L’onda nei sogni è un segnale di ciò che è tenuto a freno e non riconosciuto; quanto più l’onda è grande, tanto più è potente l’emozione che la persona sta negando e che viene bloccata, repressa.
Il fuoco
Il fuoco nei sogni rappresenta la forza delle pulsioni istintive: passione amorosa, attrazione sessuale, rabbia “bruciante”, aggressività esplosiva. “Prendere fuoco” è lasciarsi andare all’emozione forte del momento, che sia sesso o rabbia. Fuoco che riscalda o fuoco che distrugge. Ma si identifica con il calore e la luce del sole, e quindi con la vita e l’abbondanza.
Le piume
Le piume nei sogni sono legate alla leggerezza che le accomuna ai simboli dell’aria e del cielo, allo spirito ed al logos, al potere del pensiero e degli elementi, all’ unione fra alto e basso, mondo materiale e spirituale.
L’inconsistenza, la leggerezza, la trasparenza, l’eleganza la rendono un segno di potere, di sapere e di traguardi raggiunti. Sognare piume che volteggiano nell’aria rimanda alla tranquillità, al piacere di cui c’è forse bisogno o che si sta già vivendo nella propria realtà.

Fabio Rotella – WELLBEING

Fabio Rotella, Architetto esplora il concetto di “Wellbeing”, come ricerca di un desiderio dello “stare bene” finalizzata al raggiungimento di una dimensione personale di ogni individuo, dove sentirsi protetti e a proprio agio; un concetto in completa antitesi a tutto ciò che è globale e standardizzato, un’ accezione a favore di una centralità della persona, dell’essere umano e dei suoi bisogni. Prende vita un luogo accogliente, caloroso e domestico, caratteristiche peculiari di uno spazio dell’abitare ideale, che risveglia reminescenze primordiali. Una concept room, che esplora le sensazioni personali attraverso il fascino della sinestesia e della contaminazione dei sensi e che conduce l’ uomo a vivere i materiali, i colori, la luce, il clima e gli oggetti come strumenti che comunicano emozioni positive e sopite. Un luogo metaforico dove design, architettura, materiali e moda si fanno mediatori di un nuovo modo di pensare e di vedere. L’ uso dei materiali naturali come la pietra o il legno, così preziosi perché vicini al nostro essere, del verde, della luce e del colore per esaltare il fascino e l’importanza di tutto ciò che porta ad una positività interiore e che si fa emblema di un possibile mondo futuro dove la persona e le sue necessità sono i protagonisti indiscussi.
piani e volumi, da poter apprezzare con la percezione tattile; i volumi svuotati mettono in gioco luci, suoni e sensazioni.

Si è svolta martedì mattina a Milano presso la ShowRoom di Piazza Castello la conferenza stampa di presentazione del Castelli Design contest – Designing new ways of working. Si apre per Castelli una nuova esperienza in cui il marchio torna ad essere il simbolo del Made in Italy, vale a dire quella particolare miscela di creatività, attenzione al prodotto e senso del gusto che sono il cuore del successo della progettazione italiana nel mondo.

In seguito all’acquisizione di Haworth Italia da parte della holding tedesca, il marchio Castelli torna ad essere protagonista indipendente del panorama del design internazionale. Dopo anni di partnership con Haworth Inc., il marchio italiano, famoso per la sua qualità nel design torna ad avere una strategia autonoma di crescita. La recente acquisizione offre a Castelli la possibilità di riaffacciarsi al mercato italiano e internazionale con il proprio brand, oltre a continuare a capitalizzare l’importante relazione strategica e commerciale con il Gruppo Haworth.
Castelli S.p.A, come società indipendente, continuerà a distribuire in esclusiva sul mercato italiano i prodotti Haworth e Comforto, mentre per la distribuzione in Europa, Stati Uniti e Canada, Castelli Spa si avvarrà della forte rete commerciale Haworth.
Obiettivo primario di Castelli S.p.A. è il recupero dei valori che caratterizzano la storia del marchio, costruita attraverso un importante scambio con i designer e un’attenzione scrupolosa alla qualità dei propri prodotti.

Il Castelli Design Contest nasce con l’intento ricreare il rapporto di scambio e arricchimento reciproco tra produzione e creatività che ha caratterizzato il passato e che ha portato Castelli a vincere tre Compasso D’oro e realizzare prodotti iconici come la sedia Plia esposta al MOMA di New York.
Sensibile ai temi attuali che dominano il panorama dell’arredo, l’obiettivo del Castelli Design Contest “Designing New Ways of working” patrocinato dall’ADI – Associazione  per il disegno industriale – è trovare nuovi arredi per l’ufficio che rispondano alle esigenze del lavorare contemporaneo, che siano funzionali e si caratterizzino per: design innovativo, sostenibilità, ergonomia, integrazione e flessibilità. Castelli valuterà il potenziale di commercializzazione dell’oggetto e l’eventuale inserimento nelle proprie gamme di prodotto.
Una giuria composta da architetti, critici, esperti di ergonomia e nuovi stili lavorativi designerà 3 progetti vincitori ai quali sarà aggiudicato un premio di 3000 euro e 6 progetti meritevoli ai quali sarà data visibilità attraverso due eventi realizzati negli showroom Castelli di Milano e Roma.
Il concorso prevede tre categorie ognuna delle quali rappresenta un modo diverso di vivere lo spazio lavorativo. Welcoming è la categoria dedicata a prodotti come le sedute d’attesa e lounge, i tavolini, i sistemi reception e le sedute per i visitatori; la sezione Meeting è dedicata ad arredi come tavoli riunione e conferenze, tavoli free standing, sedute collettività e conferenza, pareti divisorie; la terza categoria, Team Working, è pensata le sedute operative, le sedute direzionali, i sistemi di scrivanie e tavoli, schermi e pannelli.

Le modalità di partecipazione al concorso sono raccolte nel bando scaricabile dal sito www.castellidesigncontest.it.
La data di scadenza per la consegna dei progetti è fissata alle ore 12 del 21 maggio 2012.

www.listotech.it

 L’energia creativa che anima FR-One diviene poesia nelle immagini raccolte nella sua prima elegante pubblicazione

Per il suo quinto anniversario FR-One ha deciso di pubblicare la sua prima raccolta fotografica. Nella prefazione il creatore del marchio, Olivier Delhomme, descrive l’energia che anima questo concept: “ la premessa di una fiorente maturità”.
Paolo Guidotti, General Manager di Christian Fischbacher Italia, afferma: ”Questo libro illustra perfettamente tutte le applicazioni possibili dei tessuti antifiamma Classe 1 di FR-One. Un prodotto altamente tecnico ma facile da utilizzare. Oltre ad essere di facile applicazione è anche di così semplice manutenzione da poterlo confondere con un prodotto “easy care” e da farci dimenticare che questi sono tessuti “tecnici” che possiedono anche le caratteristiche di eccezionale durata e sicurezza antifiamma richieste dall’industria del contract”. “Sono sempre meravigliato” – aggiunge – ”dalla quantità di certificazioni mondiali collezionate da FR-One, tante quante ne può avere un gioco per bambini, un settore dove la severità è assoluta”.
Questo primo libro di FR-One con le sue 182 pagine di eleganti foto ci conferma che, pur eccellendo nel campo della sicurezza, si può innovare con stile, anche in un mercato saturo di prodotti tessili.
Daniela Mauri, Responsabile Vendite Contract di Christian Fischbacher Italia con entusiasmo ci dice: ”È l’espressione di un sogno divenuto realtà. Adoro come sfogliando queste pagine, i fantastici tessuti FR-One risvegliano il nostro senso estetico e ci dimostrano che la realtà è ancora più bella dei sogni” e, pensando a tutti quei progetti esclusivi dove questi tessuti sono stati utilizzati, aggiunge: ”Noi siamo FR-One ed io sono personalmente fiera di far parte di questo magnifico progetto”.
È nei dettagli che possiamo apprezzare pienamente l’eccellenza di tutto il team FR-One. La penultima pagina ci rivela il loro segreto: sono andati a cercare in Italia uno stampatore rispettoso dell’ecologia! Il libro infatti è stampato su carta fatta con i bozzoli della seta, cosa che ha permesso di risparmiare: 1.859 kg di rifiuti, 469 kg di CO2, 3.351 km percorsi da un veicolo di medie dimensioni, 54.364 litri d’acqua, 5.022 kW/h di energia, 3.020 Kg di legna e, come se ciò non bastasse, è un progetto a impatto zero, grazie ai 3.000 alberi piantati per creare la prima foresta FR-One.
Vi invitiamo a girare il mondo attraverso le immagini di questa splendida pubblicazione; ne vale la pena! Un’anteprima: siamo felici di annunciarvi che la nuova collezione 2012 sarà fotografata nel nostro bel paese.

Pubblicato su A+D+M # 35 (dicembre 2011)

La nuova frontiera del progetto supera le barriere imposte dalla massificazione per creare vere e proprie opere d’arte

.exnovo è l’innovativo marchio di proprietà di HSL legato alla realizzazione di prodotti di alto design – illuminazione, arredo, oggettistica – con tecnologie di stampa 3D per un concetto di progettazione innovativa, istantanea ed assolutamente fuori da ogni schema mentale. Il brand si avvale di un team creativo di grande talento, fra cui lo stesso titolare, l’ing. Ignazio Pomini che ci racconta la sua esperienza “alle origini della creatività”.

Da cosa nasce HSL?
Gli atti di incoscienza sono destinati talvolta ad avere successo. E così 22 anni fa è nata HSL (allora Stelit). Alcune persone hanno creduto in un potenziale fatto di conoscenza, passione, tecnologia, voglia di cambiare e far cambiare. Il paradigma è da sempre ruotato attorno alla ricerca costante di soluzioni innovative, alimentato dalla fiducia incondizionata nei team. Nei primi anni 2000 si è concretizzata la vocazione per la componente creativa: è nato un Centro Stile con un team di 5 persone interamente dedicato all’industrial design al servizio delle aziende. L’attività di servizio alle aziende continua a rappresentare, ancora oggi, il baricentro del progetto di HSL: è un elemento fondamentale per mutuare esperienze e nuove conoscenze e trasferirle anche nel progetto .exnovo. .

exnovo ha introdotto in Italia un concetto di progettazione innovativa, istantanea. Ci può parlare del rapporto con i progettisti?
Come tutte le rivoluzioni tecnologiche, anche il 3D Printing deve essere “digerito” per esprimere tutte le sue potenzialità. Abbiamo iniziato il nostro percorso creativo insieme a Janne Kittanen, pioniere mondiale del 3D Printing Design, e stiamo facendo crescere la nostra collaborazione con lui e con Selvaggia Armani, designer capace di interpretare le soluzioni tecnologiche con uno stile diverso, lineare ed elegante. A tutti i nostri creativi diamo in mano una nuova matita e nuovi fogli di cui tracciamo solo i limiti dimensionali, tutto il resto è lasciato alla loro capacità di creare prodotti con valori forti e inediti, prodotti che abbiano la loro naturale collocazione all’intersezione tra arte e tecnologia.

Come affronta il tema della sostenibilità?
L’innovativa concezione produttiva che costituisce ogni prodotto di .exnovo segue un binario che abbiamo battezzato green production e che fa tendere allo zero gli scarti e i costi di stoccaggio e attrezzamento. Il vero magazzino di .exnovo è il suo archivio digitale, i prodotti prendono vita fisicamente solo dopo che sono stati realmente commissionati. Le materie prime di cui sono composti i nostri prodotti sono riciclabili ma ci teniamo a precisare che le nostre creazioni sono fatte per durare negli anni proprio perché rappresentano una combinazione di tecnologia e design e sono progettate per accompagnare i loro proprietari attraversando i tempi che stiamo responsabilmente anticipando.

Ci può anticipare qualcosa riguardo ai vostri futuri progetti?
Stiamo preparando nuovi prodotti, che presenteremo in anteprima a Parigi per l’edizione di Gennaio 2012 di Maison & Objet, mentre incontreremo il mercato italiano con un importante evento a Milano durante il Salone del Mobile. Inoltre stiamo lavorando con un prestigioso costruttore automobilistico per realizzare una lampada da tavolo celebrativa per il modello di punta di prossima uscita sul mercato.

Text edited by Chiara Dadda
Photos by courtesy of .exnovo

Pubblicato su A+D+M # 35 (dicembre 2011)

Tre ambiti di intervento nel Carso Goriziano, specifici progetti fortemente relazionati tra di loro e inseriti in una visione strategica di scala territoriale.

1) Museo di San Michele. Il nuovo museo viene collocato all’interno della collina di riporto che corrisponde all’attuale parcheggio. La collina ha un declivio naturale che permette di portare il paesaggio all’interno delle sale espositive, nelle quali l’osservatore si accosta ad un passato ricco di storia e di valore.

2) Castellazzo e Doberdò del lago. In una prima fase viene risistemato un tratto di sentiero esistente e, grazie ad un perimetro netto e ad una ringhiera dal design contemporaneo, si definisce un semplice spazio dal quale si gode di un’ampia vista sul lago. Si interviene in seguito tagliando la terra e scendendo tra le due pareti carsiche, toccandole, sperimentando l’entrare dentro questa roccia che normalmente si vede solo affiorare tra l’erba e la vegetazione.

3) Redipuglia. Si vuole restituire integrità al Bosco dei cipressi: questa macchia verde e compatta riporta per assonanza l’immagine originaria del colle, dove al posto dei cipressi vi erano le croci dei caduti. Si immagina per chi arriva all’area del belvedere, la possibilità di trovare uno spazio ampio, ombreggiato, sereno, che suggerisca l’esistenza di un futuro oltre la memoria e porti ad un atteggiamento non solo di ricordo, ma anche di leggerezza e di speranza, grazie alla vista sul paesaggio, ai colori della vegetazione, alla spazialità dell’area.

Pubblicato su A+D+M # 35 (dicembre 2011)